Autor: Borian Brückner

Kokosnusspokale waren Objekte exotischer Herkunft. Ihr Ursprung war in der Renaissance nicht allgemein bekannt. Sie wurden teilweise als „Meernüsse“ bezeichnet, da angenommen wurde, sie würden aus dem Meer stammen. Zudem haftete ihnen der Wunderglaube an, Gefäße aus Kokosnuss könnten Gifte anzeigen und so vor Vergiftungen schützen. Man glaubte, vergiftete Getränke würden in der Nuss entweder aufschäumen oder sogar die Nuss zum Zerspringen bringen.

Die Rheydter Kokosnusspokale haben beide eine geschnitzte Kuppa aus Kokosnuss. Besonders prachtvoll erscheint der Pokal mit geschnitzten Ornamenten aus dem 16. Jahrhundert. Auch er stammt aus der damals für Gold- und Silberarbeiten bekannten Stadt Nürnberg. Die Nuss ist reichlich mit Ornamenten versehen. Im Relief zu sehen sind Rollwerkkartuschen, Köpfe, Ranken- und Tücherwerk im sogenannten Florisstil. Dieser geht auf den Flamen Cornelis Floris (1514-1575) zurück und war damals anhand von Musterbüchern in Europa recht verbreitet. Weitere Ornamente finden sich auf dem Griff und Fuß des Pokals. Besonders auffällig sind die gravierten grotesken Masken.

Kaiser Maximilian I. gab 1516-1518 einen Bilderfries nach Vorbild eines römischen Triumphzuges in Auftrag, um damit sein Lebenswerk festzuhalten. Der Bilderfries besteht aus 147 Holzschnitten, die von berühmten Künstlern der Zeit wie Albrecht Altdorfer (um 1480-1538), Hans Burgkmair (1473-1531) und Albrecht Dürer (1471-1528) gefertigt wurden. Diese Holzschnittfolge ist eine der umfangreichsten ihrer Zeit. Seit 1512 hatte der Kaiser selbst an der Idee des Triumphzuges gerbeitet und ließ Skizzen und Texte verfassen. Der Triumphzug sollte zunächst auf Pergament farbig gemalt werden. Ausführender Maler war Albrecht Altdorfer. Teile der farbigen Miniatur auf Pergament sind in der Albertina in Wien zu sehen.

Ab 1516 wurde der Triumphzug als Holzschnitt ausgeführt. Die ersten 57 Holzschnitte stammen von Hans Burgkmair. Eine große Zahl weiterer Holzschnitte für den Triumphzug schufen Albrecht Altdorfer, Hans Springinklee (1490/95-um1540), Albrecht Dürer und weitere, heute nicht mehr zu ermittelnde Künstler. Dürer fertigte Holzschnitte zur burgundischen Hochzeit Maximilians und den so genannten „Großen Triumphwagen“, auf dem der Kaiser im Krönungsornat zu sehen ist.

Alle Holzschnitte des Triumphzuges zusammen ergeben eine Länge von 57 Metern. Vermutlich wollte der Kaiser sie in einem entsprechend großen Repräsantationsraum zeigen. Dazu kam es jedoch nicht, da er 1519 unerwartet starb. Sein Projekt des Triumphzuges blieb unvollendet. Dürer gab seine Holzschnitte zum „Großen Triumphwagen“ selbstständig heraus.

Ein Exemplar dieser Holzschnittreihe ist im Schloss Rheyt zu sehen. Acht Blätter ergeben aneinander gereiht das Motiv des Triumphwagens mit Figuren, Pferden und Beschriftungen. Der Wagen wird von sechs Pferdegespannen gezogen, die von den personifizierten Tugenden geführt werden. Auf dem Wagen sitzt der Kaiser selbst in festlicher Kleidung.

Das sechseckige Salzfass, in dem sich eine runde Vertiefung befindet, diente als Schmuck üppig gedeckter Tafeln. Auf den sechs Seiten des Sockels sind jeweils Darstellungen der Taten des Herkules in Grisaille und Verzierungen in Grisaille und Gold zu sehen.
Die Szenen zeigen: Wochenstube, der kleine Herkules in der Wiege tötet zwei Schlangen; Herkules mit zwei Säulen auf den Schulter; Herkules erschlägt Antaeus; Herkules mit dem Stier des Minos; Herkules und der nemeische Löwe; Herkules und die Hydra.
In der runden Schale ist eine Frauenbüste auf schwarzem Grund mit kleinen goldenen Sternen dargestellt.

Der quaderförmige Kabinettschrank besitzt Flügeltüren und seitliche Griffe sowie ein nach oben zu öffnendes Truhefach mit seitlichem Innenfach links (ohne ursprünglichen Deckel). Die Vorderseite ist im Inneren architektonisch gegliedert und besitzt zwölf Schubladen, drei Blendschubladen, hinter denen sich das Truhenfach verbirgt, und einen zentralen Raum. Die Fassadenfront zeigt fünf Horizontalebenen und drei Vertikalgliederungen. Fast alle Laden haben Architekturintarsen. Eine Ausnahme bildet der Architrav mit aufgelegtem, ornamentalem Fournier vor intarisierten Bäumen. Die Flügeltüren zeichnen sich durch großflächige im Wesentlichen sich spiegelverkehrt entsprechende Ruinenlandschaften aus, die von einem Durchblick durch ein Rundbogenportal mit Rustica beherrscht werden und die im Vordergrund eine Jagdszene mit Hirsch und Hund darstellen.

Das kleine vergoldete Kästchen ruht auf vier Füßchen und ist mit einem Deckel mit Klapphenkeln und Schlüssel versehen. Auf allen Seiten wird es von Jagdszenen geschmückt. Auf dem Deckel ist ein Paar von hohemn Rang zu erkennen.

Kästchen dieser Art waren besonders beliebt ud wurden neben exotischen Gegenständen in den Kunst- und Wunderkammern gesammelt und präsentiert. Die Größe des Kästchens verrät seine dekorative Funktion.

Als exotisches Naturprodukt war Elfenbein in den Kunst- und Wunderkammern beliebt. Schon seit der Antike sind Elfenbeinschnitzereien im Zusammenhang mit Goldschmiedearbeiten bekannt. In der Renaissance wurden gerne Büchsen und Pokale, auch so genannte Elfenbeintürme gefertigt. Das Drechseln von Elfenbein war zudem eine Art Freizeitbeschäftigung des Adels. Anhand gedrechselter filigraner hoher Elfenbeintürme zeigte er sein Geschick und seinen Kunstsinn.

Die Deckelbüchse aus Elfenbein zeigt in plastischer Schnitzerei Engel. Sie tragen eine dicke Fruchtgirlande und stehen vor Bäumen und Weinranken. Das Relief ist rund um den Elefantenzahn gearbeitet, welcher im Inneren hohl ist und die Büchse bildet. Gefasst wird das Elfenbein von vergoldetem Silber. Der vergoldete Deckel ist ebenfalls mit Fruchtmotiven versehen. Die Engel und die Weinreben geben dem Motiv etwas Heiteres und Spielerisches. Das Meisterzeichen auf der Büchse ist etwas verschlagen, es könnte das des Nürnberger Goldschmiedes Johann Eißler sein.

Schiffspokale wie dieser waren sehr beliebt und wurden unterschiedlich genutzt. Als kostbare Goldschmiedearbeiten blieben sie meistens nur dem Adel vorbehalten. Oft dienten Schiffspokale als Trinkgefäße auf festlichen Tafeln, manchmal auch als Gewürzbehälter. Zum Teil hatten sie Trinkröhren und Räder, mit denen sie über den Tisch geschoben werden konnten. Im kirchlichen Gebrauch kamen Schiffsgefäße auch als Weihrauchfässchen zum Einsatz. Die Form des Schiffes stand dann als Symbol der Kirche.

Der Pokal im Schloss Rheydt stammt aus Nürnberg, einem Zentrum der Goldschmiedekunst. Ein Meisterzeichen weist ihn als Werk des Esaias zur Linden aus, der als Spezialist für Schiffspokale dieser Art gelten kann. Der Gefäßkörper hat die Form eines Schiffes mitsamt Mast, Tauen, Fahne, Strickleiter und sogar einem Beiboot sowie zwei Matrosen. Der Fuß ist mit Wellen und Seeungeheuernversehen.

Die Statuette des hl. Sebastian ist eine Kombination von einem Korallenast, einer Perle und Silber. Korallen waren geschätzt und begehrt als exotisches Produkt der damals weitgehend noch unerforschten Meere. Gleichermaßen waren sie eine beliebte Naturalie, die durch kunstvolle Gestaltung zum Kunstkammerstück überhöht wurde. Die Verwendung von Naturprodukten und ihre Vervollkommnung durch menschliches Kunsthandwerk sind beispielhaft für den Kunst- und Wunderkammergedanken.

Bezooarsteine zählen zum mittelalterlichen und neuzeitlichen Wunderglauben. Sie werden in den Mägen von Ziegen, Pferden und Lamas gefunden und bestehen aus Rückständen unverdaulicher Materialien wie Haaren und Pflanzenfasern. Diese Rückstände werden mit der Zeit mit einer harten Kruste überzogen und verbleiben in den Mägen der Tiere. Seit der Antike bestand der Glauben, dass diese geheimnisvollen Steine eine Schutzfunktion gegen Gift inne hätten, weshalb man sie in den Wein hängte. Darüber hinaus sprach man ihnen auch heilende Kräfte zu.

Der Stein der Rheydter Sammlung ist von Silberfiligranbändern mit Rankenmuster gefasst und hat zwei Ringe zum Aufhängen.

Die Klappsonnenuhr besitzt einen vornehmlich wissenschaftlichen Charakter und wird in der Kunst- und Wunderkammer zu denen so genannten Scientifia gerechnet. Gerätschaften wie Uhren und Kompasse verkörpern ihren Grundgedanken, die innere Ordnung der Welt und ihre zugrundeliegende universale „Weltmechanik“ zu erfassen.

Das Objekt ist aus dem ebenso exotischen wie wertvollen Elfenbein gearbeitet. Es stammt aus der Werkstatt von Leonhart Miller in Nürnberg, dessen Name auf der Unterseite eingraviert ist. Nürnberg war das deutsche Zentrum für die Herstellung von Klappesonnenuhren und Kompassen. Leonhart Miller stellte mathematische Instrumente her und war vornehmlich auf solche Klappsonnenuhren aus Elfenbein spezialisiert.

Das Modell zeigt eine aus Elfenbein gearbeitete, wie schlafend daliegende Frau in einem teilweise mit demselben Material verkleideten Holzkasten. Nimmt man die bewegliche Bauchdecke des Objektes ab, werden innere Organe und in der Gebärmutter das ungeborene Kind sichtbar. Man nimmt an, dass es es als Lehrmodell für Chirurgen und Hebammen gedient haben könnte. Da die Ausführung der Organe aber sehr schematisch, fast schon grob und überzeichnet ist, mag es auch ein rein exklusives Sammlerstück für Kunst- und Wunderkammern gewesen seien, in denen es wohl häufig anzutreffen war.

Nach Schätzungen haben sich heute noch etwa 25 dieser Modelle erhalten. Elfenbein eignete sich hervorragend als Material für solche Objekte, da es gut zu bearbeiten und sehr haltbar ist, gleichzeitig auch die Veranschaulichung feiner Details ermöglicht.

Ein Dodekaeder ist ein Körper mit zwölf Flächen. Es versinnbildlicht das Verhältnis von Raum und Zeit.

In Wunderkammerstücken wie dem Dodekaeder verbinden sich hohes kunsthandwerkliches Geschick und wertvolles exotisches Material mit der Vorliebe für wissenschaftliche Objekte. Die Erfassung und systematische Darstellung des Raumes und der Perspektive spielten in der Renaissance, vor allem auch in der Kunst und Malerei, eine wichtige Rolle.

Exotische Naturprodukte wurden gerne gesammelt und hatten einen hohen Wert der durch eine kunstvolle Fassung noch besonders betont wurde. Verbreitet waren etwa Perlmuttschalen des Nautilus oder der Kreiselschnecke aus dem Indischen und Pazifischen Ozean.

Der Rheydter Pokal besteht aus einer mit vergoldetem Silber gefassten Schale der Kreiselschnecke. Der Meister dieses Werkes war der Nürnberger Friedrich Hildebrand (1580 Meister, † 1608), aus dessen Händen zahlreiche Arbeiten mit Perlmuttschalen stammen. Silberbänder halten das Schneckenhaus, das die Kuppa des Pokals bildet. Auf dem breiten gravierten Rand sitzt ein mit Wasserwellen verzierter Deckel. Auf diesem sind drei Seepferdchen und Eidechsen montiert. Die Seepferdchenn werden von der in der Mitte angebrachten Figur des Neptuns an Zügeln gehalten. Der Fuß des Pokals ist reich graviert und zeigt Wasserwellen und Groteskenmasken. Zudem sitzen vier Frösche auf dem Fuß und unterstreichen das Wasserthema.

Der runde Holzkorpus der Flasche ist auf beiden Seiten mit knorpelwerkartigen Schnitzereien mit Rankenmotiven und Tieren versehen. In Der Mitte der einen Seite stellt die runde Elfenbeinintarsie einen Löwen dar, auf der anderen Seite ist das Wappen der Grafen Westerholt dargestellt. Die Tülle ist aus Messing gearbeitet. Der Hebel an der Tülle diente der einfachen Handhabung und möglichst genauen Dosierung des Schwarzpulvers beim Befüllen der Zündpfanne. An den beiden Ösen konnte eine Schnur befestigt werden, um die Pulverflasche bei der Jagd einfacher mitzuführen.

Vom Ende des 15. bis zum 18. Jahrhundert zählten Saufedern bzw. Spieße zu den gebräuchlichsten Jagdwaffen. Die Saufedern besitzen eine zweischneidig geschliffene Stahlklinge, die nach hinten in eine Tülle ausläuft. Die sichere Fixierung am Schaft war essentiell, da in die Enge getriebene Wildschweine sehr gefährlich waren. Eine Besonderheit der Jagdspieße ist der unterhalb des Blattes angebrachte Knebel, der in der Regel mit einem Lederriemen kurz unterhalb der Tülle im rechten Winkel zum Blatt befestigt wurde. Am Rand der Tülle ist noch die Lederbindung, mit der ursprünglich der Knebel angebunden wurde, zu erkennen. Meistens wurden organische Materialien dafür verwendet, wie z.B. ein Horn- oder Holzstück. Durch die flexible Bindung mit dem Lederriemen konnte sich der Knebel verschiedenen Bewegungsabläufen anpassen. Die Schäfte sind im oberen Bereich mit schmalen Lederriemen umwickelt, um den Händen mehr Halt zu bieten. Geschnitzte Schuppen- bzw. Stäbchenmuster bedecken jeweils die Holzschäfte, nur das jeweils unterste Stück ist schmucklos.

Der stählerne Bogen des Vogelschneppers (auch Kugelschnepper bzw. Kugelballäster genannt) ist schmucklos bis auf eine kleine runde Elfenbein-Intarsie an einer Seite des Schaftes. Die Visiersäulen dienten der Treffgenauigkeit. Mit dem integrierten Spannhebel konnte die Bogensehne aufgezogen werden. Der Hebelverschluss mit Federn gestattete es dem Jäger anschließend schnell zu schießen. Im Gegensatz zur Armbrust wurden mit dem Vogelschnepper keine Bolzen sondern Kugeln verschossen.

Die Armbrust ist reich mit gravierten Beineinlagen verziert, die sich über die gesamte Länge des Schaftes verteilen. Auf der einen Seite sind Szenen der Hirsch-, Bären- und Eberjagd zu sehen, die mit kunstvoll ornamentalen Pflanzenmotiven umspielt werden. Die andere Seite stellt einen Bauerntanz dar. Der heute fehlende stählerne Bogen der Armbrust war vermutlich einst bemalt bzw. graviert gewesen. Für das Spannen der Sehne wurde üblicherweise eine Zahnstangengewinde benutzt. Zur Ausrüstung des Jägers gehörte außerdem ein Köcher zur Aufbewahrung von Bolzen, die entsprechend ihren Zwecks verschieden geformte Eisenspitzen hatten. Sogenannte Prellbolzen hatten eine stumpfe Spitze und wurden beispielsweise bei der Jagd auf kleine Vögel verwendet, um diese möglichst unversehrt zu schießen. Bis weit ins 17. Jahrhundert zählte die Armbrust zu den bevorzugten Jagdwaffen. Leichte Armbrüste wie diese eigneten sich besonders gut für die Jagd auf Vögle und Kleinwildtiere, da man mit ihnen nahezu geräuschlos schießen konnte. Darüber hinaus konnte der Jäger das Wild lange Zeit mit gespannter Armbrust beobachten, ohne dass die Bogensehen nachgab.

Der niederländische Maler und „Meister des Marientodes“ Joos Van Cleve schuf das Werk um 1530, vermutlich am Hof des französischen Königs Franz I. (1494-1547). Dieser hatte ihn im selben Jahr an seinen Hof berufen. Die dargestellte Dame war vermutlich eine Mätresse. Ihr Oberkörper ist entblößt und lediglich ihr Rücken und rechter Arm von einer Robe bedeckt. Sie schaut frontal aus dem Bild heraus, wenn auch ihr Oberkörper etwas nach links hinten gewandt ist. Die Haut der Dame ist vornehm blass. Sie trägt eine Halskette, Ohrringe und ein Armband sowie Schmuck in den Haaren. Der Hintergrund ist dunkel gehalten. Zwei drapierte grüne Vorhänge rahmen die Dargestellte.

Der Halbakt einer jungen Frau gab schon einigen Anlass zu Diskussionen. Zum einen wurde das Gemälde fälschlicherweise bis 2007 als Kopie nach Joos Van Cleve gehandelt. Zum anderen wurde das Portrait mit Leonardo da Vincis (1452-1519) „Mona Lisa“ verglichen. Haltung und Gesichtszüge der von Cleve gemalten Mätresse erinnern entfernt an da Vincis „Mona Lisa“. Es wird in der Kunstgeschichte deswegen vermutet, dass Cleve die „Mona Lisa“ am französischen Hof selbst oder eine der zahlreichen zeitgenössischen Kopien gesehen hatte.

Das Werk mit dem Titel „Treiberjunge“ stammt von dem niederländischen Maler Wallerant Vaillant. Es gehört zu dem in der damaligen Zeit in Adelskreisen beliebten Thema der Jagd. Das Brustbild zeigt einen nach links gewandten Jungen mit rotbraunen Haaren und einer Fellmütze. In seiner linken Hand hält er eine tote Ente. An einem Stock, den er über seiner rechten Schulter trägt, sind die Läufe eines toten Hasen zu erkennen. Zudem ist ein Lederriemen über seine rechte Schulter gelegt, vermutlich um weitere erlegte Tiere oder eine Waidtasche zu befestigen. Das Tragen der erlegten Tiere zeichnet den Jungen nicht als Jäger, sondern vielmehr als Jagdgehilfen aus.

Die typische Jahreszeit für die Jagd ist der Herbst. Dementsprechend herbstlich sind auch die im Bild verwendeten Rot- und Brauntöne. In Kalendern zum Beispiel wurde die Jagd gerne als Motiv für den November verwendet. Vaillant thematisiert mit dem Bild des Treiberjungen neben der Jagd auch den Herbst mit einer jahreszeittypischen Beschäftigung.

Darstellungen von Gemäldesammlungen sind seit dem Anfang des 17. Jahrhunderts, ausgehend von Flandern und besonders Antwerpen, verbreitet. Neben Gemälden wurden auf diesen Bildern auch Plastiken und Kunsthandwerk gezeigt. Antwerpener Werke dieses Themas zeichnen sich häufig dadurch aus, dass die dargestellten Gemälde tatsächlich existierten und identifiziert werden konnten. Diese realen Arbeiten werden zu einer fiktiven Galerie kombiniert.

Das Rheydter Gemälde von Johann Michael Bretschneider zeigt 35 Gemälde, die über- und nebeneinander ohne separate Rahmung die gesamte dargestellte Galeriewand bedecken. Ein Durchgang führt in einen durchfensterten Raum, in dem auf einem Tisch wissenschaftliche Geräte, wie ein Globus und Bücher, zu sehen sind. Wie in dieser Zeit üblich werden die Berieche Kunst und Wissenschaft nicht streng voneinander getrennt. Fast alle Gemälde können einer tatsächlich existierenden Vorlage zugeordnet werden. SO geht das dritte große Gemälde von links, untere Reihe, auf einen Kupferstich von Albrecht Dürer zurück und zeigt den Heiligen Hieronymus.

Der vergoldete Ring zeigt auf der Oberseite ein Wappen in negativer Gravur. Das Besondere ist jedoch nicht das Wappen, sondern liegt zunächst darunter verborgen. Unter der klappbaren Oberseite verbergen sich ein Kompass sowie gravierte Striche und Zahlen, die vermutlich als Sonnenuhr dienen. Neben dem kunsthandwerklichen Aspekt stellt der Ring eine hochwertige technische Spielerei des 16. Jahrhunderts dar. Vielleicht gehörte er einem Baumeister oder wurde auf Reisen genutzt.

Dargestellt ist die Heilige Familie. Im Hintergrund sind eine Landschaft und eine Stadt zu sehen. Im Bildvordergrund liegen auf einer Balustrade stilllebenartig einige Objekte. Marie hat das unbekleidete Jesuskind auf dem Schoß, welches in beiden Händen Kirschen hält. Diese gelten als Symbol für das ewige Leben sowie für die späteren Wundmale Jesu. Das Jesuskind wendet sich nach links zu der Männergestalt, die mit großer Wahrscheinlichkeit Josef darstellt.

Das Gemälde zeigt italienische und niederländische Einflüsse. Die Komposition in der Art eines Stilllebens spricht für niederländische Einflüsse. Die liebliche Darstellung der Madonna hingegen ist italienisch beeinflusst und erinnert an Leonardos Madonnabilder. Das spricht auch für die Zuschreibung des Gemäldes an den Umkreis Joos van Cleves und Quentin Massys‘, da beide in ihrer Darstellungsweise von der italienische Renaissance im Stil Leonardos beeinflusst waren.

Seit denn Mittelster war die Jagd das Privileg des Adels und gehörte zu dessen Freizeitvergnügen. Sie stellte ein gesellschaftliches Ereignis dar. Entsprechend kunstvoll wurde die Ausrüstung, beispielsweise Jagdwaffen oder Pulverhörner, gestaltet. Bei der Treibjagd wurden die Tiere zunächst von Treibern und Hunden zusammen getrieben, meist auf eine offene Wiese. Dieses Areal schloss man mit Leinen und so genannten Jagdlappen ein, um das Wild in dem Jagdrevier zu halten. Entwich dennoch ein Tier, war dies den Jägern „durch die Lappen gegangen“.

Dieser Jagdlappen zeigt auf der Vorderseite das Wappen des Besitzers, des Grafen Reinhard von Hanau-Lichtenberg. Auf der Rückseite ist der Kopf eines dunkelhäutigen Mannes mit Turban und Federn abgebildet. Diese Abbildung sollte dazu beitragen, die Tiere im abgeteilten Gebiet zu halten. Es herrschte die Meinung, die Tiere würden das Unbekannte scheuen und einen dunkelheutigen Menschen hätten diese schließlich noch nie gesehen.

Mit der Renaissance kam es zu einem Wandel im Berufsbild des Baumeisters hin zum Architekten im heutigen Sinne. Bauentwurf und Bauausführung lagen nicht mehr wie beim mittelalterlichen Werkmeister in einer Hand. Der Architekt entwirft mit Hilfe von Arbeitsgeräten wie einem Stechzirkel, Einhand-Zirkel und Reduktionszirkel ein Bauwerk und überwacht, wenn überhaupt, dessen Bau.

Lautensack, Heinrich, Des Circkels unnd Richtscheyts, auch der Perspektiva und Proportion der Menschen und Rosse kurtze, doch gründtliche Underweisung deß rechten Gebrauchs: Mit vil schönen Figuren, […].Durch Heinrich Lautensack, Goldschmid und Maler zu Franckfurt am Mayn, 1564.

In Anlehnung an Dürers Unterweysung der Messung, mit dem Zirckel und Richtscheydt, […] Nürnberg 1525, erschienen weitere Werke zur Perspektive und Geometrie, bei denen die praktischen Fertigkeiten im Mittelpunkt standen. Hierzu zählt vor allem das populäre, reich illustrierte Werk Lautensacks, das im Frühjahr 2011 für das Städtische Museum Schloss Rheydt ersteigert werden konnte.

Lautensack, Heinrich, Des Circkels unnd Richtscheyts, auch der Perspektiva und Proportion der Menschen und Rosse kurtze, doch gründtliche Underweisung deß rechten Gebrauchs: Mit vil schönen Figuren, […].Durch Heinrich Lautensack, Goldschmid und Maler zu Franckfurt am Mayn, 1564.

Die glasierte Terrakottaplastik zeigt einen Männerkopf im Fruchtkranz und weist gestalterisch und inhaltlich Parallelen zu den Tondi auf, die sich an der Arkadenhoffassade des Herrenhauses befinden. Diese Reliefs sind im Zuge des Umbaus unter Otto von Bylandt (1531 – 1591) angebracht worden und stehen ganz im Geiste der Renaissance. Sie zeigen römische Helden und sind Beispiele der damals verbreiteten Antikenrezeption.

Die farbige glasierte Terrakottaplastik im Schloss stammt aas der Werkstatt der berühmtem italienischen Familie della Robbia in Florenz. Lucca della Robbia (um 1400 – 1481) hatte das Verfahren der glasierten Terrakottaplastik entwickelt. Dieses konnte die aufwändigeren Marmorarbeiten ersetzen und wurde für die Herstellung von Bauplastiken verwendet.. Das künstlerische Niveau der della Robbia war sehr hoch. Typisch für Plastiken der Künstlerfamilie ist die blau-weiße Farbgebung, auch Grün und Gelb, zum Beispiel für die Glasur von Fruchtkränzen, wurden häufig verwendet.

Umkränzt von einem Rand aus Früchten und Blüten ist eine Szene aus dem Jugurthinischen Krieg 111 – 105 v. Chr. dargestellt. Die kriegerische Auseinandersetzung fand zwischen der Römischen Republik und König Jugurtha von Numidien statt. Vorausgegangen war ein Erstreit um das römische Vasallenkönigreich Numidien, nachdem der König Micipsa gestorben war. Das Reich wurde schließlich unter dem Sohn des Königs Addherbal und seinem unehelichen Sohn Jugurtha aufgeteilt. 112 v. Chr. überfiel Jugurtha seinen Halbbruder und eroberte dessen Herrschaftsgebiet rund um die Stadt Cirtas.

Derartige Szenen der Römischen Antike wurden häufig in der Renaissance dargestellt und sind typisch für den damaligen Bildungsanspruch.

Der große Humpen aus dem 17.Jahrhundert gehört zu den im 16. bis 18. Jahrhundert verbreiteten „Reichsadler-Humppen“. Das waren Trinkgefäße, die mit dem doppelköpfigen Reichsadler versehen waren und bildlich den Aufbau des Heiligen Römischen Reiches erklärten. Sie zeugten von einer Verbundenheit des Besitzers mit dem Reich. Genutzt wurden derartige Humpen meist von niederen Adeligen und Bürgern. Im gehobenen Adel waren sie wenig verbreitet. Die Herrstellungstechnik der Emailmalerei kam ursprünglich aus Venedig. Dabei wird pulverisiertes Glas der Malfarbe hinzugefügt, durch das Schmelzen in einem Ofen verbindet sich die aufgetragene Farbe fest mit dem Untergrund.

Der Humpen in Schloss Rheydt zeigt den üblichen Doppeladler mit einer Krone und einem Heiligenschein versehen. Vor der Brust sind der Reichsapfel und ein Kreuz zu sehen. Auf den ausgebreiteten Flügeln ist eine Reihe von Wappen samt Beschriftung angebracht. Auf dem heraldisch rechten Flügel (vom Betrachter aus links) sind im oberen Teil die Wappen der drei geistlichen Fürstentümer Trier, Köln und Mainz sowie von Rom dargestellt. Heraldisch links (vom Betrachter aus rechts) finden sich im oberen Teil die Wappen der vier weltlichen Kurfürstentümer Böhmen, Pfalz, Sachsen und Brandenburg. Des Weiteren werden auf den Federn des Adlers die Wappen von Herzögen, Landgrafen, Tragen und Rittern gezeigt. Die aufgetragene Inschrift besagt: „Das Heilige Römische Reich mit allen seinen Gliedern Anno 1673.“

Ein weiteres Stück mit der Renaissance-typischen Darstellung Römischer Helden ist die Truhe mit Intarsien aus dem 17. Jahrhundert. Große Truhen wie diese waren weit verbreitet und dienten neben der Aufbewahrung auch dem Transport von Habseligkeiten. Da Adelsherren viel reisten und selten das ganze Jahr auf einem Herrschaftssitz blieben, war es nötig, sein Hab und Gut mit Hilfe von mobilen Truhen zu transportieren. Deswegen hatten die Truhen in der Regel Griffe zum Tragen. Mehrere Truhen übereinander konnten einen Schrank bilden. Von diesem Mobilitätsanspruch leitet sich auch unsere heutige Bezeichnung „Möbel“ ab.

An der Vorderseite befinden sich drei etwas tiefer liegende Felder, die jeweils eine Figur in Einlegearbeit zeigen. Die mittlere Figur stellt einen Krieger dar, der sein Schwert empor hält. In den Feldern rechts und links ist zweimal das gleiche Motiv gespiegelt dargestellt. Es handelt sich ebenfalls um einen Krieger, der wie im Kampf sein Schwert zieht. Die dargestellten Abbildungen gehen auf die 1586 erschienene Serie „Die Römerhelden“ von Hendrick Goltzius (1558 – 1617) zurück. Die beiden seitlichen Felder zeigen Manilas Torquatus. In der Mitte ist Publius Horatius Cocles zu sehen. Dieser findet auch auch an der Arkadenhoffassade des Rheydter Herrenhauses unter den vier römischen Helden im Fruchtkranz.